Le parole non riescono a catturare appieno il mio pensiero, fatto di forme, linee e colori. Ho imparato a lasciare agli altri il compito di dare voce e corpo alle immagini del mio mondo. Ringrazio ciascuno di loro per aver desiderato portare alla luce e raccontare tanto di me e del mio modo di fotografare.
Riccardo Pieroni
professore al cine e tv e mio mentore, sulla mostra “amo – eh! – a che pensi? – a Niente!” mostra personale presso la libreria Bibli, Roma
Luca è una persona di poche parole… cioè pensa molto!
Ha scelto di fotografare con il foro stenopeico, su apparecchi autocostruiti: una fotografia da meditazione. Tempi lunghi. La luce (la radiazione, l’energia) si posa lentamente sul materiale sensibile e, contemporaneamente, si stratifica nella coscienza del fotografo: si tratta di una particolare forma di conoscenza che mira alla profondità delle cose, all’essenza.
Non è facile descrivere le sensazioni che si provano operando con il foro stenopeico. Si tratta di una fotografia “naturale” e, insieme, molto “tecnica”. Luca è un costruttore: le macchine fotografiche escono dalle sue mani. E’ uno sperimentatore: ogni condizione di illuminazione, di colore, di forma richiede una modifica del processo. E’ un viaggiatore: si porta dietro la sua strana attrezzatura e vede quello che gli altri non possono vedere. E’ un artista: la tecnica costruttiva più elementare e “leggera” si associa alla magia tecnologica della fotografia ”immediata” (polaroid, fuji) e stabilisce un metodo di lavoro che accetta l’imprevisto come parte della ricerca. Il computer interviene alla fine, paradossalmente, per dare “materialità” ad un processo per gran parte etereo, evanescente.
Per questa mostra Luca ha deciso di associare le immagini dei suoi viaggi a delle parole: citazioni. Sono i pensieri che nei lunghi periodi di attesa che la foto “si faccia”, durante gli spostamenti, durante il realizzarsi del processo fotografico, affiorano alla mente e che miracolosamente troviamo cristallizzati in pensieri di altri, in parole volanti (dai libri, dai film…) che incontrano le nostre riflessioni non dette e precipitano su un foglio in forma definitiva e perfetta.
Diciamo la verità: noi fotografi non accettiamo di buon grado l’indeterminatezza dei significati delle nostre fotografie. Ci piacerebbe tanto che l’osservatore pensasse e vedesse come noi, che ri-conoscesse ciò che noi abbiamo conosciuto. Ma non è a questo che servono le fotografie. Da ogni immagine inizia un percorso creativo nuovo, tutto dell’osservatore, che noi non possiamo controllare o arginare. Possiamo solo indirizzare, circoscrivere, suggerire sperando in un possibile incontro… tra pensieri volanti.
Riccardo Pieroni, gennaio 2009.
Pamela Cento
curatrice della collettiva di fotografia e video “One Image Day – Un giorno di Immagini” presso Bloomsbury Auctions Italia (Roma).
“Luca Baldassari usa la tecnica del foro stenopeico, archetipo della macchina fotografica dove invece delle lenti c’e’ un foro costruito artigianalmente, che consente ampia libertà di sperimentare non essendoci vincoli predefiniti. Baldassari crea delle fotografie che in esse inglobano la filosofia e la poetica del tempo -lungo-, il tempo per osservare davvero ciò che si sta fotografando, per emozionarsi e per impressionare la pellicola”.
Romano Sansone
nella sezione Il Rosso e il Nero, recensione della mia galleria fotografica, in particolare la foto sulle cascate del Niagara.
“Quando presentiamo un’opinione ben fondata diamo per scontato che possa non essere condivisa, ma possiamo aspettarci che eventuali differenze di vedute rimangano sul piano oggettivo dell’argomento trattato. Le cose si mettono male quando, contrariamente a quanto suggerirebbe il buon senso, siamo costretti ad esprimerci dall’alto della nostra incompetenza, come nel caso del portfolio di Luca Baldassari, realizzato mediante il foro stenopeico e che non possiamo assolutamente passare sotto silenzio; perché la comunità dei cultori di questa tecnica praticherà anche una sorta di ascesi, rinunciando ai lussi e alle comodità dei megapixel, delle ottiche prestigiose e degli automatismi, ma occupa a pieno diritto un suo posto nel mondo della fotografia. Il problema è capirsi. Perché, condizionati da anni di ricerca della qualità visiva dell’immagine, cerchiamo di sfrondare le foto da quelli che per noi sarebbero dei difetti e di vedere con gli occhi della mente il contenuto come sarebbe se quella foto l’avessimo fatta noi. Lo si vede nella foto che, tra le dieci inviate, ho scelto di commentare e che finirò per non commentare affatto: si avvicina più di tutte le altre a quello che avrei fatto io con i miei mezzi, ed è un errore fondamentale, perché il contenuto e l’aspetto non possono essere separati, una foto stenopeica va vista con gli occhi di chi ha vissuto il processo della sua nascita, così come noi valutiamo più o meno consciamente le nostre foto in funzione dei mezzi e del processo che le ha generate. Guardiamo l’intero portfolio sotto la rubrica Gallerie Personali e lasciamoci guidare dalle indicazioni che ci dà l’autore. C’è il caso che impariamo anche noi a vedere il mondo come “lo vedono loro”.
Romano Sansone, aprile 2004
Denis Curti
Direttore dell’Agenzia Contrasto, dal sito a cui ho inviato le mie foto per la lettura del portfolio
Luca Baldassari
Ho osservato con cura tutte le sue fotografie ed ho ritrovato in ognuna di esse la costante tendenza del suo sguardo a dirigersi verso spazi ampi, orizzonti marini e cieli limpidi. Anche quando i suoi scatti sono realizzati a bordo di una nave, quello che cattura l’attenzione è la capacità di cogliere il paesaggio in atmosfere sognanti e soffuse, di forte intensità comunicativa. Il linguaggio fotografico che adotta risulta inoltre funzionale a tale resa “poetica”: l’effetto flou, l’uso del bianco e nero e i movimenti interni delle sue immagini inducono a perdersi in paesaggi onirici e irreali.
Mi piacerebbe che lei potesse approfondire il tema del paesaggio, concentrandosi sulla lettura di artisti che, come Franco Fontana, hanno prediletto questo genere fotografico cogliendone gli elementi astratti in virtù di una visione selettiva della realtà.”
Denis Curti, febbraio 2010
Serena Marinelli
responsabile educativa Aps Electra, sul progetto: “Ogni cosa è illuminata”
“Se non c’è l’altro, non c ‘e nessun io.
Se non c’e’, nessun io,
non ci sarà nessuno a fare distinzioni.”
Chuang-tsu, IV sec. a.C.
Luca Baldassari. Fotografare come verbo transitivo.
Luca è un impressionista alla maniera di Monet. Dedito alla luce al limite dell’ossessione, come Monet si affida alle sue lenti, lui affida il suo sguardo alla macchina che coglie, deforma, distorce forme e colori regalando un’impressione, quell’impressione che appunto transita testimoniando, contemporaneamente, la propria soggettività (soggetto di fronte a un oggetto) e l’oggettività della materia, che da questo processo trae forza facendosi essa stessa soggetto. La sua fotografia non è pura trascrizione del reale, è materica e pittorica insieme. Si sviluppa in senso narrativo attraverso la luce e l’aria, di per sé mobili, catturandone l’essenza mentre ne perde il controllo, volutamente. Cede il posto all’altro da sé e in cauda venenum assesta la stoccata finale, fermando l’attimo prima che passi, assoggettando il tempo, conferendo poesia all’aria, immutabile solo per un attimo, e per un attimo pacificando l’ideale di eternità con ciò che è mutevole e terreno.
Luca è colui che sposta l’immagine dal reale all’immaginario arbitrariamente, lasciando però alla macchina l’indeterminatezza, cedendole il ruolo della narratrice inaffidabile in modo inedito, non falsificando o manipolando la storia, bensì traducendola con un linguaggio nuovo e, dunque, in fondo, tradendola.
C’è infine un processo di cura, il poi, una terza fase a metà strada tra il passionale e il cognitivo, che richiede attenzione, inquietudine e azione. Con dovizia artigianale Luca ci presenta l’immagine aprendo la possibilità di creare una relazione tra sè e gli altri epochè, mettendo di nuovo la propria soggettività tra parentesi, sospendendo il giudizio per fare spazio allo spazio, dare aria all’aria, rendendosi vulnerabile al dubbio ergo sum, perdendo coraggiosamente la certezza di se stesso in quanto soggetto pensante in favore del sentire, per essere di nuovo e consapevolmente in divenire, ancora “quasi”, come l’aria, le nuvole e l’acqua di cui ci fa dono, la res extensa, con il compito di portare a spasso poeticamente le forme e i più nobili pensieri, aprendo un varco tra il controllo magico della realtà dell’artista e l’umanissima rinuncia all’onnipotenza.
Serena Marinelli, aprile 2015
Steve Bisson del Paris College of Art e Chief Editor di Urbanautica Institute.
“Rotoforo” è un dispositivo che consente all’autore di sganciarsi dalla realtà visibile per entrare in una dimensione che ha a che fare con la percezione. La fotocamera è questo strumento che registra il visibile sulla base della nostra intenzionalità, e ci specchia porzioni di mondo. La pinhole è uno di questi strumenti e per come costruita ci ritorna una visione distorta della fisicità del mondo. Ma il punto è proprio qui. Se le cose esistono nel momento che le osserviamo, ora ciò che Baldassari costruisce è altrettanto reale. E potrebbe venire da chiedersi se non sia piuttosto distorta la percezione comune del mondo rispetto a quella dell’individuo. Usando un termine che usa l’autore il mondo filtrato attraverso il dispositivo viene amplificato, in una visione espansa, prolungata oserei dire, che consente all’osservatore di restare nello spazio e percepire altro e di percepire diversamente. L’autore è chiaro in questo “Through the pinhole, photography becomes an act of intimate and subjective observation, a form of interpreting the landscape that surpasses the visible surface”. Il termine superficie qui è fondamentale e pertinente. Come se il visibile fosse un velo che impedisce di percepire davvero. E qui sta la distinzione tra un “ri-conoscere” oggettivo e un “dis-conoscere” soggettivo.
Andiamo oltre, ognuno può quindi reagire a questi costrutti visivi diversamente. Ogni percepito infatti è filtrato a sua volta dalla memoria di ciascuno e si proietta dunque altrettanto diversamente nella mente di chi guarda. Ogni immagine si combina con le “immagini che abbiamo”, e ne forma di nuove. Quindi nella mente le immagini sono sempre sovrapposte, non esistono foto-tipi in questo senso. Possiamo dire che inconsciamente osserviamo in un tempo 3d, non lineare, in cui le immagini del passato si fondono nel presente e proiettano futuro (nuovo). Un po’ come avviene nei sogni.
Dunque il “Rotoforo” di Baldassari ci aiuta, oltre che a osservare un mondo “rivisto” attraverso una pinhole camera, a ingaggiare la percezione dei luoghi attraverso una progettualità, che è fatta anche di sentimenti, di un “sentire” il mondo. Queste “visioni” parlano della mutevolezza della percezione così come dello spazio. Non esiste un mondo, esistono infiniti modi di intenderlo. Forse questa è la chiosa giusta per un lavoro così fatto, che ci invita ad esplorare tra le pieghe e intrecci del visibile.”
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